Daniel Chauche

En el 2009 el Festival Foto>30 me invitó a impartir un taller teórico acerca del tema de ese año: Paisaje. Hice muy buenas migas con mis alumnos. Después de nuestras sesiones matutinas, paseábamos todo el día por la Ciudad de Guatemala y me llevaron a los lugares que consideraban importantes que conociera: la plaza comercial Capitol, la Sexta Avenida, la galería Sol del Río, el Centro de Arte Paiz, etcétera… Una tarde regresamos al Centro Cultural España, y como parte de las actividades del Festival, se realizó una mesa redonda con los fotodocumentalistas Andrea Aragón, Daniel Chauche y la editora María Cristina Orive, quien afectuosamente nos dejó al público asistente hojear ediciones príncipe de La Azotea Editorial.

Quedé fascinado por el trabajo de todos y junto con mis alumnos nos unimos a la tertulia posterior al diálogo. En la plática quedé en visitar la casa estudio de Daniel Chauche en Antigua y así lo hice. Este texto es resultado de una conversación sabatina en la cual Daniel me introdujo a su trabajo, me presentó su laboratorio y me habló de otros hitos del documentalismo Guatemalteco.

Gracias a Jacobo Quan por facilitar el transporte de ida y vuelta hacia Antigua. Gracias a Emiliano Valdés por la invitación al Festival Foto>30.

Este breve texto fue publicado originalmente en la revista electrónica MondaPhoto Magazine, #3, 2010. En Issuu sólo están los dos primeros números de la revista, razón por la cual lo vuelvo a publicar con correcciones.

Daniel Chauche: Afirmaciones sobre la identidad guatemalteca

A portrait is not a likeness. The moment an emotion or fact is transformed into a photograph, it is no longer a fact but an opinion. 

Richard Avedon entrevistado por Nicole Wisniak, 1984

Cuando Daniel Chauche (1951) decidió establecerse definitivamente en Guatemala, en 1984, estaba resuelto a comprender al país de un modo íntimo, y para ello la fotografía fue una herramienta indispensable. Tuvo una primera estancia durante la década anterior que resultó definitiva: un año  después de haber llegado a San Juan Sacatepéquez sobrevino el terremoto del 4 de febrero de 1976 con un enorme saldo de daños: 25 mil fallecidos en todo el país.

Chauche y su entonces compañera, una antropóloga, se quedaron con el fin de colaborar en el restablecimiento de la población, no sólo en términos materiales sino también sociales. Él realizó una contribución específica al convertirse en “el fotógrafo del pueblo” durante algunos meses. Afirmación de la identidad social y restitución de la memoria fueron algunas de las “modestas” aportaciones otorgadas por el aún entonces joven entusiasta de la fotografía hacia la comunidad que lo adoptó.

Poco tiempo después continuó su viaje para concluir sus estudios en zoología y luego abocarse a los de artes visuales entre los Estados Unidos y Francia, donde se distribuyen sus orígenes familiares, para regresar y entregarse a la interpretación visual de la identidad chapina[1]: una trama compleja, rica en matices, sostenida por un sincretismo a través del cual se amalgama el conocimiento antiguo proveniente de las comunidades que hablan alguna de las 21 variantes de la lengua maya o de quienes habitan distintos centros urbanos y estimulan un intercambio cultural vertiginoso, abierto a culturas que no dejan de arribar desde ultramar.

Chauche halló en la renovación del discurso de la fotografía documental durante los sesenta en los Estados Unidos las estrategias formales que le permitirían sintetizar la vitalidad de los sujetos que ha fotografiado de manera consistente desde hace más de 3 décadas. Si bien en la producción de este fotógrafo todas las posibilidades de registro directo han sido articuladas, el retrato ha resultado ser el dispositivo adecuado para ofrecernos el resultado de sus detalladas observaciones, fruto de insistentes recorridos por las diversas comunidades distribuidas en la geografía guatemalteca. A través de ellos se nos ofrecen mapas sociales: cada detalle de la indumentaria, cada objeto de uso laboral o ritual, incluso la edad biológica del retratado, informa sobre las particularidades de la región, lo relevante en su vida social, el impacto que ello ha tenido en la configuración de su individualidad.

Inquietarse por la falta de contexto ante la evidente sustracción que significa el uso de un ciclorama blanco en los términos de la fotografía documental es injustificado. Daniel Chauche se ha dedicado con igual pasión a documentar la materialidad desde la cual se articula la identidad del chapín: altares, crucifijos, ofrendas, acumulación de imágenes religiosas católicas, indígenas, neocatólicas, de la cultura visual contemporánea de Occidente ya mestizada por sus interpretaciones locales… en efecto, la fe católica ha resultado la zona franca donde la heterogeneidad cultural de Guatemala puede coexistir a pesar de las profundas diferencias ideológicas y de clase de quienes las profesan.

Las imágenes seleccionadas provienen principalmente del portafolio Ser un hombre chapín, uno de los ciclos de trabajo emblemáticos en la trayectoria del autor, caracterizados por su contundencia y la coordinación efectiva de fuentes visuales diversas que el retratado o los devotos han dispuesto sobre sí o en un breve espacio significado como interface espiritual. Más allá de la eficacia de la imagen en términos formales y técnicos, estos retratos se “carean” con quienes realizan interpretaciones estereotipadas de lo que significa habitar un país con una historia reciente en la cual la violencia de Estado, los desastres naturales y la intermitencia de una vida en democracia son componentes ineludibles para entender a sus habitantes, sin por ello cancelar una diversidad en apariencia callada, incluso enmudecida por el desgaste que implica el acto reiterado de sobrevivir.

El fotógrafo nos participa de su admiración, el respeto y la fascinación que su constancia vital le producen. Ellos ingresan a un espacio discursivo donde se afirman, se arrojan sin titubeos, se manifiestan a través de la imagen para quien desee involucrarlos en su propia narrativa. Aquí hay diálogo y complicidad, incluso una cierta forma de veneración.

Irving Domínguez

Ciudad de México a 4 de diciembre del 2009, en el año de “bajar el switch”.

Daniel Chauche es además de fotógrafo, docente independiente de fotografía desde su establecimiento formal en Guatemala en 1984. A través de las entidades Luz y Sombra y Chez Daniel S. A. ha promovido el conocimiento fotográfico tradicional a varias generaciones de fotógrafos y artistas visuales guatemaltecos, entre ellos, algunos ya consolidados en el ámbito internacional como Luis González Palma.

[1] La palabra /chapín/, como sustantivo y adjetivo, es en realidad una categoría cultural que circunscribe la experiencia de la identidad guatemalteca moderna y contemporánea. Se trata, además, de un constructo inestable debido a la heterogeneidad simbólica que la alimenta contantemente (incluso no existe consenso respecto de su etimología). Es en todo caso una manera de aproximarse a la actualización de la identidad guatemalteca.

 

Autodefensor, San Juan Atitlán

San Juan Atitán, Huhuetenango, 1989, del portafolio Ser un hombre chapín, positivo en gelatina de plata a partir de negativo.

Mayordomos - Nebaj

Cofrades Mayordomos, Santa María Nebaj, Quiché, 1989, del portafolio Ser un hombre chapín, positivo en gelatina de plata a partir de negativo.

Padre Hijo

Padre e hijo, Páquix, Huehuetenango, 1989, del portafolio Ser un hombre chapín, positivo en gelatina de plata a partir de negativo.

Cargando Leña

Cargando Leña, Santa María de Jesús, Sacatepéquez, 1994, del portafolio Ser un hombre chapín, positivo en gelatina de plata a partir de negativo.

El Viudo

El Viudo, Nahualá, Sololá, 1989, del portafolio Ser un hombre chapín, positivo en gelatina de plata a partir de negativo.

Florencio Carillo b

Florencio Carillo Ramirez, Páquix, Huehuetenango, 1989, del portafolio Ser un hombre chapín, positivo en gelatina de plata a partir de negativo.

Un Saludo Desde El Umbral Del Eterno Retorno

Un saludo desde el umbral del eterno retorno, Rabinal, Baja Verapaz, 2005, positivo en gelatina de plata a partir de negativo.

Imágenes cortesía de Daniel Chauche.

Sitio web de Daniel Chauche

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Curadurías 2017

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XVII Bienal de Fotografía, Anacronismo de las imágenes: Documentos y recuperaciones.
Irving Domínguez y Amanda de la Garza, curadores. Centro de la Imagen – Secretaría de Cultura, Ciudad de México, 2016 – 2017.

Catálogo en línea. Editado por el Centro de la Imagen – Secretaría de Cultura, 2016.

 

PPAC 2017

Útiles para el desmantelamiento de la visión. Resultados del Programa de Producción en Arte Contemporáneo, generaciones 2  y 3, una iniciativa de Relaciones Inesperadas, Tijuana. Centro Cultural Tijuana – Secretaría de Cultura, 2017.

Útiles… en la página del CECUT

 

AM JJ CCC M

Anagramas matemáticos, individual de Jesús Jiménez en el Centro Cultural Clavijero, Morelia, Secretaría de Cultura del Estado de Michoacán, 2017.

Selección de notas de prensa:

Contramuro

Cambio de Michoacán

Quadratín

 

 

SIVc Lanzarote

Caleidoscopio Steady-cam, programa de video monocanal mexicano para la Primera Semana Internacional de Videocreación de Lanzarote, Centro de Innovación Cultural El Almacen, Canarias, España. Del 1 a 3 de junio, 2017. Curador en jefe: Adonay Bermúdez.

Artistas seleccionados: Colectivo Estética Unisex en colaboración con Antanas Mockus, Karina Villalobos, Benjamín Alcántara, Olivia Vivanco, Leslie García, Carlos Iván Hernández, Nahatan Navarro Félix, Víctor G. Noxpango, Radix (Aurelio Contreras Cantú), Adela Goldbard y Andrew Roberts.

Programa del festival

Presentación a medios

 

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Fábulas sin moraleja. El desbordamiento de la corrupción en México.
Irving Domínguez y Víctor Palacios, curadores. Casa del Lago Juan José Arreola – UNAM, Ciudad de México, octubre de 2017 a febrero del 2018.

Artista participantes: Julieta Aguinaco, Carlos Aguirre, Benjamín Alcántara, Antonio Bravo, Cecilia Barreto, Jeannette Betancourt, Edgar Cobián, Deriva.mx, Abraham González, Jesús Jiménez, Fondo para la Construcción Moral (FCM), Los Macuanos, Isaac Torres y Víctor Sulser.

Diario Excelsior 11/10/2017, Sección Expresiones, página 6

Gaceta UNAM

 

 

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Diversidades de lo documental. 10 fotógrafos de México para la primera emisión del Festival Errante. Montevideo, Uruguay, diciembre del 2017. Dirección: Christian Rodríguez.

Artista y documentalistas participantes: Alejandra Aragón, Sofía Ayarzagoitia, Annick Donkers, Miguel García Rivera, Ingrid Hernández, Sonia Madrigal, Alejandro Resendi, Pavka Segura, Gladys Serrano y Olivia Vivanco

Curaduría en línea en la página del Festival

 

Memoria devastada

 

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Cecilia Hurtado en colaboración con Abigail Vázquez y Eduardo Aguinaga, sin título, de la serie La identidad del Otro, 2017.

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Miriam Salado, sin título, vaciados en yeso de caparazones de tortuga caguama, 2016.

En la siguiente liga pueden revisar la documentación de salas, así como el texto curatorial correspondiente a la muestra Memoria devastada de las artistas Cecilia Hurtado y Miriam Salado. Se presentó durante los meses de marzo a abril del 2017 en la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana.

Berta Kolteniuk e Irving Domínguez, curadores.

Memoria devastada

Agradecimientos:

Rubén Matiella

Museo de Arte de Sonora – Centro Cultural MUSAS

Galería Libertad, Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro.

Equipo técnico de la Universidad del Claustro de Sor Juana

Jorge Rosano

Carlos Iván Hernández.

 

Propuestas para desbastar un paisaje

Propuestas para desbastar un paisaje

El Taller de los miércoles es el vehículo a través del cual cinco jóvenes artistas han desarrollado propuestas para exhibición que exceden y difuminan los límites formales entre pintura, escultura, instalación y la obra para sitio específico.
Sus propuestas consideran el contexto en el cual se desarrolla la muestra e involucran elementos de la arquitectura de la sede, el entorno social, así como materiales reciclados que se reinterpretan en función de sus intereses plásticos.

Desbastar es la acción que el escultor realiza al incidir en la materia –la piedra por ejemplo– para desgastarla y formar poco a poco la obra. La incidencia del trabajo la va transformando lentamente hasta que adquiere una forma definida.

En Propuestas para desbastar un paisaje Francisco Muñoz, Hugo Robledo y Juan José Soto buscan partir de esta noción de transformación a partir del desgaste. La minería es una actividad que incide en el terreno a la manera del cincel que labra una piedra. La actividad minera extrae materia de la tierra hasta el punto del agotamiento, dejando tras de sí la huella de la devastación.
La industria del turismo es una actividad que no extrae pero sí desgasta un lugar al transformarlo y dejando un rastro que perdura. El paralelismo entre minería y turismo se hace presente en lugares como Real del Monte, en los que la vida cotidiana ha sufrido una alteración permanente al convertirse en un destino de asueto para miles de habitantes de la megalópolis de la Ciudad de México, así como de otros centros urbanos próximos.
La muestra busca despertar una reflexión esencial acerca de cómo la actividad humana transforma un sitio, desbastando poco a poco el paisaje.


Francisco Muñoz

“Order in nature” es una expresión del teatro shakesperiano para referirse a la juventud, acompañada de la inexperiencia, entusiasmo, idealismo, inocencia o la indiscreción, cualidades que se asocian a una persona joven. La frase forma parte de la tragedia de William Shakespeare Antonio y Cleopatra. En su uso moderno, especialmente en los Estados Unidos, se refiere a un apogeo, un periodo en donde alguien consigue estar al máximo de sus capacidades.

En un diálogo al final del primer acto, Cleopatra recuerda sus días de juventud junto a Julio Cesar: “…My salad days/ When I was green in judgment, col in blood…” La metáfora aparece en el uso de la palabra ‘green’ – presuntamente pudiera describir alguien joven, inmaduro. Los adjetivos “verde” y “frío” sugieren cualidades de las ensaladas.
La instalación está integrada por diez estructuras de metal unidas a una base circular que las mantiene en pie, en los extremos superiores de cada estructura ondean bolsas de plástico.

Simulan estandartes, instrumentos aparentes que pudieran abanderar distintos territorios en los cuales se despliega el poder, desde movimientos de rebeldía punk, o protestas contra el estado, hasta movimientos consolidados inscritos en una hegemonía Un despliegue de signos que existen en la esfera de la simulación, característica de nuestro tiempo.


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Francisco Muñoz, Order in nature, Instalación: Estructuras de acero, bolsas de plástico y mobiliario de teatro. Dimensiones variables , 2015 – 2016.

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Francisco Muñoz, Order in nature, Instalación: Estructuras de acero, bolsas de plástico y mobiliario de teatro. Dimensiones variables , 2015 – 2016.


Hugo Robledo

Estudio para el agotamiento. La pieza utiliza como punto de partida diferentes fuentes cartográficas relativas a la región minera de la montaña hidalguense, pertenecientes a los siglos XVIII y XIX. Se trata de una intervención que emplea como herramienta el dibujo en su forma elemental para envolver una de las salas del Centro Cultural. El uso de mapas y planos como motivos gráficos responde a la característica de éstos, de ser al mismo tiempo representaciones simbólicas del espacio en el mundo físico y sistemas visuales abstractos. Esta cualidad se refleja en los muy diferentes resultados que se obtienen al tratar de describir gráficamente un lugar. La riqueza minera de la región motivó la elaboración de las fuentes cartográficas, de tal manera que es posible apreciar el interés minucioso de autoridades y empresarios para estudiar la zona y extraer de la tierra todo cuanto fue posible hasta su agotamiento.

Los planos y mapas utilizados pertenecen a la mapoteca “Manuel Orozco y Berra” de la Secretaría de Agricultura, Ganadería, Desarrollo Rural, Pesca y Alimentación. Los planos consultados fueron los siguientes:

– Mapa de los cerros del Real de Minas de Pachuca, Autor desconocido, 1750.
– Perfiles 1 y 2 de Pachuca a Real del Monte, Autor desconocido, ca. 1700.
– Plano topográfico y del catastro del municipio de Real del Monte, Prof. Francisco Dano Palacios, 1888.
– Plano de las cuadras de la Compañía en Real del Monte, José Landero y Cos, 1891.
– Plano de los minerales de Pachuca y Real del Monte, Autor desconocido, sin fecha.

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Hugo RobledoEstudio para el agotamiento. Intervención gráfica: gis sobre mamparas de exhibición, 2016.

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Hugo RobledoEstudio para el agotamiento. Intervención gráfica: gis sobre mamparas de exhibición, 2016.

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Hugo RobledoEstudio para el agotamiento. Intervención gráfica: gis sobre mamparas de exhibición, 2016.

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Hugo RobledoEstudio para el agotamiento. Intervención gráfica: gis sobre mamparas de exhibición, 2016.


Juan José Soto, El paisaje es invisible, porque cuanto más lo conquistamos, más nos perdemos en él.

“Todos los grandes paisajes tienen un carácter visionario. La visión es lo que se vuelve visible de lo invisible… El paisaje es invisible, porque cuanto más lo conquistamos, más nos perdemos en él. Para llegar al paisaje, tenemos que sacrificar, tanto como nos sea posible, cualquier determinación temporal, espacial, objetiva; pero este abandono no sólo alcanza el objetivo, nos afecta a nosotros mismos en la misma medida. En el paisaje, dejamos de ser entes históricos, es decir seres por sí mismos objetivables. No tenemos memoria para el paisaje, tampoco la tenemos para nosotros en el paisaje. Soñamos de día y con los ojos abiertos. Somos sustraídos al mundo objetivo pero también a nosotros mismos. Es el sentir.” Cézanne.

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Juan José Soto, El paisaje es invisible, porque cuanto más lo conquistamos, más nos perdemos en él. Instalación para sitio específico: 13 pedestales de MDF intervenidos (medidas varias) y 4 bastidores de madera intervenidos. Dimensiones variables, 2016.

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Juan José Soto, El paisaje es invisible, porque cuanto más lo conquistamos, más nos perdemos en él. Instalación para sitio específico: 13 pedestales de MDF intervenidos (medidas varias) y 4 bastidores de madera intervenidos. Dimensiones variables, 2016.

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Juan José Soto, El paisaje es invisible, porque cuanto más lo conquistamos, más nos perdemos en él. Instalación para sitio específico: 13 pedestales de MDF intervenidos (medidas varias) y 4 bastidores de madera intervenidos. Dimensiones variables, 2016.

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Juan José Soto, El paisaje es invisible, porque cuanto más lo conquistamos, más nos perdemos en él. Instalación para sitio específico: 13 pedestales de MDF intervenidos (medidas varias) y 4 bastidores de madera intervenidos. Dimensiones variables, 2016.


Taller de los miércoles. Establecido en 2014. El grupo de trabajo está conformado por Cecilia Barreto, Francisco Muñoz, Hugo Robledo, Juan José Soto y Allan Villavicencio.
Han realizado 2 muestras colectivas en México: La búsqueda del enemigo interno en Oficina de arte, 2015; y Artificios de disuasión en la galería de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda – INBA, 2015. Durante el 2016 participaron en muestras colectivas en las galerías Rotolux (Francia) y Charlton Gallery (Reino Unido).
Son autores del libro Cerca del mar (2016) realizado en colaboración con los artistas franceses Gaëlle Choisne y Pablo Réol.

Propuestas para desbastar un paisaje  fue creada específicamente para la Galería del Centro Cultural de Real del Monte – CECULTAH, bajo la curaduría de Irving Domínguez. Se presento de septiembre a octubre del 2016.

Documentación fotográfica: El Taller de los Miércoles e Irving Domínguez.

Agradecimientos: Jerónimo Duvanced, Miki Yokoigawa – Instituto de Artes, UAEH.


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Sobre la XVII Bienal de Fotografía

¿Por qué decidimos Amanda de la Garza y quien escribe estas líneas incorporar obra no fotográfica a esta edición de la Bienal?

Porque su convocatoria planteó la posibilidad de establecer vínculos entre distintas modalidades de la representación artística tomando por base conceptual a la imagen fotográfica pero sin limitarse al dispositivo fotográfico:

“La evolución tecnológica que ha acompañado el desarrollo de la fotografía nos ha llevado a una era donde la imagen ocupa un lugar central; lo que en términos de creación ha derivado en que este medio se haya convertido en uno de los lenguajes más importantes del arte contemporáneo.
En este contexto, la presente convocatoria propone motivar a una reflexión acerca de la producción de imágenes desde formatos audiovisuales e impresos que hayan sido generados por distintas áreas de pensamiento: desde la era digital, la antropología visual, la sociología, el archivo, los medios masivos de comunicación, hasta las artes visuales.”

También la convocatoria manifestó que los curadores desarrollarían una muestra a partir de las propuestas destinadas al certamen:

“5.2. Se deja a discreción de los curadores, con autorización del autor, la modificación de las piezas y los croquis en pro de la integración de la muestra.
5.3. Para la muestra los curadores podrán solicitar a los autores seleccionados obra no presentada en esta convocatoria con la intención de enriquecer la propuesta curatorial de la Bienal” Apartado 5. Exposición

Y eso fue lo que sucedió. Dialogamos con todos y cada uno de los 49 seleccionados durante un periodo de trabajo de 9 meses. Durante las juntas de trabajo se revisaron los proyectos y se desarrollaron ediciones con base en la presentación museografica; se eligieron de manera conjunta dispositivos y soportes de presentación de las propuestas.

En prácticamente todos los casos se tomaron decisiones conjuntas con los artistas respecto de los formatos y sustratos de impresión antes de continuar con la fase de impresión y enmarcado. En varios más el diálogo permitió incorporar en la propuesta museográfica elementos correspondiente a fases previas del proceso, e incluso desarrollar piezas nuevas para esta muestra.

En esos casos, la propuesta inicial seleccionada tuvo una larga vida expositiva previa a su incorporación curatorial a la muestra de la XVII Bienal, eso nos ocurrió con la obra de Carlos Iván Hernández y Adela Goldbard por ejemplo. Ello nos obligó a reconsiderar, por consenso con los artistas mismos, las piezas que debían presentarse en sala y accedieron a trabajar nuevas propuestas para la curaduría. En ambos casos sus propuestas tenían relación con su producción reciente y no necesariamente tenían que cumplir con un elemento fotográfico para formar parte de la muestra.

Tal y como señalamos en el ensayo curatorial que acompaña el catálogo:
“El trabajo curatorial de esta edición se ha centrado en discutir con los participantes acerca de los formatos de exhibición de los proyectos presentados en la convocatoria, así como de la selección de componentes específicos de series u obras ya existentes. El planteamiento que propusimos para la salas del Centro de la Imagen intenta articular temas afines, argumentos, procesos y estrategias artísticas que muestran las tensiones a las que está sujeta la imagen en la contemporaneidad.”
“La XVII Bienal de Fotografía se articula a través de tensiones y eslabonamientos entre los proyectos seleccionados. Gran parte del trabajo preparatorio consistió en un diálogo continuo con los artistas que ha dado por resultado la presentación de obras creadas ex profeso para la muestra. En otros casos convenimos presentar parte del proceso de trabajo junto con la obra seleccionada, con el fin de acercar al público a los intereses y estrategias que mueven el desarrollo creativo. Bitácoras, bocetos y fuentes documentales hacen parte de la propuesta museográfica.”
En ese texto damos cuenta de la gran mayoría de las piezas y el porqué nos intereso incluirlas en la muestra. Si el recuento no es exhaustivo se debió a criterios editoriales, es decir, a límites en la extensión del texto. Les invitamos a leerlo:

Anacronismo de las imágenes: Documentos y recuperaciones

Para visualizar en línea la obra de los 49 seleccionados:

XVII Bienal de Fotografía

Por lo general, publico en este blog cuando los ciclos curatoriales se han cerrado, pero en esta ocasión he considerado necesario aprovechar este espacio para abonar en la discusión pública que ha desatado nuestra curaduría Anacronismo de las imágenes. Documentos y recuperaciones, puesto que mi trabajo curatorial siempre ha puesto en diálogo a la fotografía con otros lenguajes y dispositivos del arte. En este blog pueden hallarse varios ejemplos de esa tarea continua.

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